關於《泥土｜陳聖頌、張新丕》雙人展

泥҉ 土҉ 有҉ 埋҉ 葬҉ 父҉ 親҉ 的҉ 香҉味҉҉

嫩҉ 葉҉ 有҉ 母҉ 親҉ 血҉ 汗҉ 的҉ 香҉  味҉

_____ 節自 巫永福《泥土》

前言

        在籌備這檔展覽的過程，時常在問自己「究竟該從什麼角度切入，能讓觀眾理解這兩位老師的作品？」，一位年輕時曾師從席德進與李仲生，後來到羅馬藝術學院習畫，並旅居當地十三年，一輩子做抽象藝術的陳聖頌（1954-）；另一位則是選擇到巴黎藝術院就讀，後留在奧地利創作，一待便是十四個年頭，在半抽象與半具象之間表現的張新丕（1955-）。

        兩位繪畫風格不盡相同，背景倒是有許多相仿之處，都曾為了藝術而遠渡重洋，在異地長期耕耘，吸收不同文化的藝術養分，卻也在人生的某個時間點，去意識到何處才是真正滋養著生命的源頭，因此再次選擇飄洋過海，回到自己的家鄉，一塊被海洋包圍的島嶼——臺灣，更加深耕的潛心創作。

        原來，就在兩位藝術家對自己所生長的土地之深深眷戀中，找到了他們對繪畫的共同語言。

《泥土》作為詩意想像的引子

       這也是為什麼，展名以作家巫永福（1913-2008）的詩篇《泥土》為引子，在兩位藝術家風格不盡相同，卻有同一交集源頭——這塊養育他們生命的土地，拋出一個詩意的想像。如父親與母親、如前人辛勤彎腰所種下的，在泥土中茁壯生長，而發芽的嫩葉亦散發著馨香之氣，那是為後人帶來美好碩果的馨香之氣。這一切都在陳聖頌與張新丕對這片土片的見證與愛慕之中，如泥土般，孕育了各自創作的生命旅程。

        事實上，巫永福作為兩位藝術家的父執輩，背景也和他們有許多相似之處。生於殖民時期的他，早年在臺灣受教育，17歲赴日考上明治大學文藝科，留日期間，受非常多當時日本重要的詩人及小說家薰陶，發表許多日文小說，也有未發表過的詩篇，1932年參與籌組「臺灣藝術研究會」，年僅二十歲已擔任重要角色，隔年又創《福爾摩沙》雜誌。1935年因父親過世返臺，但也因此經歷了一段跨越語言的時刻，在創作上從日文到中文的困境，使得長期處在「失語」的狀態，幾乎中斷了在臺灣的文學活動二十年以上。直到1971年才開始以中文發表、翻譯早年日文寫作的詩篇，在臺灣文壇上逐漸有他的蹤影。

       在這樣時代背景成長的他，受的是日本教育，但事實上在他作品中，就時常透露著覺醒的心，述說身為台灣人的骨氣，在臺灣經歷了二二八、白色恐怖到戰後亦是，時常書寫著對故鄉抒情的詩句。這也正如同，陳聖頌與張新丕，在創作中，藉以自然、土地、故鄉、島嶼的關照，回應著身份與生命的狀態。當然，兩人在以此為基礎上所發展出來的繪畫是截然不同。

陳聖頌｜始於土地的優雅，終於繪畫的信仰

        已年近七十的陳聖頌，近年來對繪畫的表達，反而是回到越來越純粹的狀態中去實踐，也可以說，所謂的純粹是他隨著年歲的體悟，對生命更加豁達的態度，但卻也因為純粹，文字究竟能明說亦或是說得太多，並不容易詮釋，但就像他所說「不談什麼大道理了」，這個不談，是歷練出的淡然。

        回顧他這四、五十年來的創作歷程，我們能夠看見的是，他已不留戀壯年時在羅馬的年輕氣盛，也放下了起初回到臺灣非要在創作中找出答案的企圖，就在選擇重新歸零後，才明白到許多的畫面一直都在他身邊，是過往年代的單純、是人與人之間的真誠，也是西海岸延綿的風景、是夕陽落下的交界，更是這片土地的純樸與優雅，原來滋養著生命與創作的感動都在，只是等著他去感受，或許有些人事已非，有些只能往回憶裡重逢，他把生命的風景交織在畫布上，提煉著時間的悠遠、空間的幻變。

        在這次《泥土》展覽中，展出了陳聖頌八件2022-2023年的新作，以及兩件十多年前未曝光的舊作。兩件舊件，能看見早期受臺灣土地感動而真摯的告白，就像他曾說，在西海岸的鹽田裡看見先民的勤奮與智慧，是最高貴的色澤。而十多年後，從八件新作中可以看見，顏色更集中且徘徊在「黃、綠、藍」的色域之間，都是關於他記憶中用生命體悟的色澤，(註1)彷彿是淬鍊再淬鍊後的精選，而空間的鋪陳也變得更加放鬆與延展，這是他透過這片土地，將生命的閱歷以越來越內斂的方式收在心上，回歸對繪畫最單純的狀態，於是在作品中，緩緩地滲出了沈澱後的清澈與深邃。

(註1) 在今年11月剛出版的《繪畫中的繪畫——陳聖頌 2003年之後的繪畫作品選》，自序中便提到關於顏色與景色的故事。其內容節錄在下方「收錄」中。

張新丕｜感受生命的流動，見證時代的痕跡

        端詳張新丕的作品，似乎總能感受到葉面在風動中搖曳的姿態、光影在樹梢中閃爍的信號，亦或嗅到些從泥土裡傳來的陣陣青味、看見農人在勞動中與土地互動的辛勤，他的畫面是流動的，捕捉了瞬息萬變的當下。

        而這些流動，透過眼前並不陌生的景象：檳榔樹、香蕉葉、鳳梨田、海邊的消坡塊，或堤防上的人們，都帶領著觀者去看見這座島嶼屬人、屬自然的種種風情，也可以說，是屬南方、屬他在屏東內埔工作室中——豔陽高照、色彩斑斕的熱帶風情。原來在感受這些流動的同時，他刻意的描繪這些對象物，其實也在為島嶼的歷史留下見證的痕跡。

        回顧張新丕的歷程，早年留法澳，在當地生活創作多年，參與分離派繪畫的藝術團體，其「分離派」並無一定的宣言及綱領，也很難脫離當時興起的背景，但一致的是對保守及舊有的突破與創新，這也成為張新丕往後面對藝術與環境反覆辯證的思考模式。1993年回到臺灣，回到他的家鄉，親眼見證了社會發展與環境議題相互之間的影響與矛盾，開始在繪畫、雕塑、裝置，甚至策展或行動中，深耕地去回應身份與土地的辯證，更白話的說，這位臺灣出生的臺灣囡仔，透過藝術來重新認識這座島嶼的歷史、也透過藝術來理解南方的發展與變化，藉由捕捉著眼前在歷史與發展中變換的光景，持續喚起大家對土地的意識。

        這也是為什麼，一方面我們能在畫面中感受到南方的光照與炙熱，同時也看見歷史脈絡下所發展出屬於南方的人文風景。最後因此構成了張新丕在創作中所散發迷人之處：在陽光與濕熱沐浴下，所感受生命的流動與時代的痕跡。

小結

        在1897年成立的維也納視覺藝術學會（The Vienna Visual Artists Association），邀請了奧地利建築師 Joseph Maria Olbrich來設計建造其「分離派展覽館」，在建築的大門留下了這樣一句話「Der Zeit ihre Kunst. Der Kunst ihre Freiheit」，意指「將藝術獻給它所在的時代，將自由獻給它所在的藝術」，我想也很適合形容陳聖頌與張新丕，這兩位都曾遠渡重洋去學習藝術且長居歐洲十多年的他們，在歐洲也辦過展覽，也有不錯的成績，大可選擇繼續深耕發展，但他們最終都將自由與時代獻給了自己的家鄉，也透過創作，致敬他們所擁有、經歷與見證的美好年代。

延伸閱讀：

• 虛實之間：陳聖頌（文 / 林小溪）

• 在遺忘與沒落中升起的藝術：論張新丕「熱帶天堂——合界」個展（文 / 龔卓軍 ）

• 檳榔樹、赤道帶與分子化的色光—談張新丕「熱帶天堂—合界」個展（文 / 鄭勝華 ）